Diseño de personajes

Este artículo fue traducido del francés al español por Ana Arce.

Ante ustedes la versión escrita (y completa) de la conferencia que ofrecí por primera vez en Bogotá en agosto de 2017 acerca de la creación de personajes en obras artísticas.

Cuando me invitaron a dar esta conferencia me pidieron hablar de diseño de personajes.

Pero finalmente, como de eso ya hay mucho en internet, me dije que mejor iba a hacer otra cosa… Tampoco les voy a hablar de cómo dibujar muñequitos, de eso igualmente hay mucho en internet

También hubiera podido hacer algo así…

En este artículo voy a hablarles de muchas cosas, de cine, de cortometrajes, de comics, de mis estudiantes (la lista completa de las obras de las cuales les hablo está disponible al final de esta página)…
Y además, como hay otros que son más expertos que yo en esto, le pedí un poco de ayuda a la gente que conoce mejor de este tema, mis amigos Sigmund, Carl, y Aristóteles

Sigmund Freud, Carl Gustav Jung, Aristóteles

Voy a explicarles aquí por qué no me gustó Dunkerque (Dunkirk. Largometraje de Christopher Nolan. Reino Unido, Holanda, Francia, USA. 2017.), mientras que sí me gustó Rescatando al soldado Ryan (Saving Private Ryan. Largometraje de Steven Spielberg. USA. 1998.). O por qué considero que Life (Life. Largometraje de Daniel Espinosa. USA. 2017.) es tan malo mientras que Alien (Alien. Largometraje de Ridley Scott. Reino Unido, USA. 1979.) es una obra de arte. O, por decirlo de otra manera, voy a hablarles de lo que hay en común entre Martin Scorsese (ver Raging Bull, Taxi Driver, Les Affranchis…) y Nanni Moretti (ver Habemus Papam, Mia Madre…).

Todo depende de la presencia, o no, de personajes complejos, profundos, interesantes.
Sin importar el soporte –películas, animación, diseño, pintura, fotografía, etc.– hay un mensaje para transmitir, una historia para contar.
Y para dicha historia, la forma más eficaz, la más inmersiva de contarla es a menudo haciéndosela vivir a buenos personajes. Personajes con los cuales el espectador se identifique, por los cuales tenga empatía.

Esta empatía nacerá solamente si el personaje alcanza la complejidad y la profundidad de un verdadero ser humano, con sus rasgos principales, sus rasgos secundarios y sus contradicciones, aquellos que le son propios o que le son externos. Incluso si el personaje es en sí mismo un humano o no.

Éste es el punto de vista que trataré de mostrarles: lo que, a mi modo de ver, debe ser tenido en cuenta en la creación, concepción y diseño, no solamente gráfico, de un personaje que es el transmisor de la historia que queremos contar.

Cómo darle vida a un personaje. ¡Cómo ser Dios!
Pero se darán cuenta de que ser Dios es de hecho algo demasiado complicado.

Escritura

Los personajes son el soporte de la historia a narrar, del mensaje que queremos transmitir, y por tanto éstos deben ser concebidos teniendo esto en mente. Primero empezamos a definir la historia, el mensaje, lo que queremos que el espectador sienta, lo que queremos que él recuerde.
Bueno, ¡esto es obvio!

Algunas palabras sobre el pasado del personaje…

Muy a menudo escuchamos decir que para crear un personaje convincente en nuestra historia, es importante escribir su pasado, su historia de vida, en una concepción muy Freudiana (y muy –demasiado– a la moda en Hollywood) diciendo que lo vivido, y en particular los traumas del personaje, son lo que lo han formado al momento presente de la historia.

Freud dijo…

Muchas películas de Hollywood aplican tan bien esta regla que terminan por cansar al espectador con una escena muy común que da como resultado una caricaturización: un personaje principal o secundario le cuenta a otro un episodio preciso de su pasado para explicar su estado en el presente, o quizás para justificar las decisiones que debe tomar. Ese episodio podrá también ser utilizado para que el personaje pase a la acción…

Definir y concebir el personaje por sus actos, por las situaciones en que se envuelve, que revelan su personalidad y sus objetivos.

Mi acercamiento es diferente. Yo pienso que podemos suprimir completamente esa insoportable escena de diálogos. Y no soy sólo yo quien lo dice, sino Aristóteles.

Aristotle
Aristóteles

Si, en su diálogo, el interlocutor “no decide ni evita nada”, entonces ese diálogo “no tiene carácter”. (Debemos entender aquí la palabra carácter tanto como caracterización y como personaje.)”.(fuente: wikipedia)

Lo que es importante son los actos del personaje, no su estado; no se trata de lo que es, si no de lo que hace y sobre todo por qué lo hace.

Aristotle
Aristóteles

Un personaje se define por “lo que revelan sus decisiones, sean del tipo que sean”. (fuente: wikipedia)

Sabiendo esto, una buena manera de caracterizar un personaje, más que describir su pasado, es imaginando lo que él hace, lo que decide, sus reacciones cuando se enfrenta a situaciones precisas.

Si pongo a mi personaje en un lugar lleno de serpientes, ¿cómo reaccionaría?
Indiana Jones – Los cazadores del arca perdida (Raiders of the Lost Arch)
Largometraje de Steven Spielberg. USA. 1981.
Frente a su mayor miedo ¿cómo se vuelve?
Alien 3
Largometraje de David Fincher. USA. 1992.
Frente a la soledad ¿Qué hace?
Náufrago (Cast Away)
Largometraje de Robert Zemeckis. USA. 2000.

Estos ejemplos se utilizaron directamente en esas películas –películas con personajes bien escritos– pero dichas escenas pueden también servir como herramientas de trabajo que no aparecerán en el film, para simplemente proveer algunos rasgos útiles de los personajes.
Sobre todo, para definir cuál es la reacción del personaje hay que tener en cuenta sus motivaciones. ¿Qué lo lleva a actuar de esa manera? ¿Por qué toma ciertas decisiones y con qué objetivo?

El interés no es de justificar lo que hace por medio de su pasado, si no más que todo por su futuro. El espectador no espera comprender lo que ha llevado al personaje a ser lo que es, pero necesita entender sus motivaciones, sus intenciones (con la excepción de, por ejemplo, crear suspenso; estoy hablando de motivaciones generales). Esas motivaciones deben ser acordes con los rasgos generales del personaje.

Si las escenas que imaginamos no hacen parte necesariamente de la historia que estamos contando, éstas pueden ayudar a definir el personaje de una manera más sutil y compleja para dar ideas que alimentarán la manera de presentar, de hacer avanzar la historia a través de los actos del personaje y no de manera que sea demasiado gratuita ni fortuita.
Es también una oportunidad de conocer mejor al personaje, al tiempo que éste cobra vida. Lo anterior evita crear escenas contradictorias o cometer errores acerca de su personalidad.

Acabo de volver a ver Alien vs Predator (Largometraje de Paul W.S. Anderson. USA, Reino Unido, República Checa, Canadá, Alemania. 2004.). Yo no espera ver una buena película, pero los personajes están realmente mal –y poco escritos– y por lo tanto los errores son burdos. El personaje principal es una mujer de raza negra, en un esfuerzo (un poco tosco) de diversificar. Por lo tanto, de forma un poco cariticatural es también una mujer fuerte, una líder, la jefa; un poco autoritaria, lo opuesto a las princesas de Disney. Sin embargo hay una escena hacia la mitad de la película en la que ella se resquebraja, en la que se pone a llorar, en la que tiene una actitud infantil, negándose a avanzar. Obviamente, es el hombre blanco estadounidense y fuerte quien la pone en pie, toma la delantera, asume el rol de líder y es quien desbloquea la situación. Esta escena –además de sexista– es completamente contradictoria en relación con el personaje y a partir de ese momento nada funciona; los mismos actores no saben cómo actuar, lo que se nota y también destruye la escasa personalidad que tenía la protagonista, eliminando al mismo tiempo la intención inicial de diversidad que tenía el autor.

La historia a narrar y las acciones del personaje deben ser coherentes y camuflarse naturalmente, lo uno hace avanzar lo otro, guiando al espectador a donde queremos que vaya, sin artificios y sin la necesidad de la intervención divina (Deus Ex Machina) o de la intervención del azar.

Estilo

Una vez que la historia y los personajes están escritos, podemos comenzar a pensar en un estilo gráfico en conjunto que sea coherente con el universo presentado para que el espectador se sumerja en la obra y el mensaje sea transmitido.

La originalidad de la dirección artística fluirá naturalmente desde el universo y el personaje en sí mismos, si ambos son escritos de una forma lo suficientemente sutil como para ser únicos.

El secreto del libro de Kells (The secret of Kells)
Largometraje de Tomm Moore, Nora Twomey.
Francia, Bélgica, Irlanda. 2009.

Así, el universo medieval de El secreto del libro de Kells le da una posibilidad gráfica sin el uso de perspectivas, y por otro lado, la inocencia del protagonista se muestra en la suavidad de las curvas y en la aparente simplicidad de las formas depuradas de los personajes.

El secreto del libro de Kells (The secret of Kells)
Largometraje de Tomm Moore, Nora Twomey.
Francia, Bélgica, Irlanda. 2009.

Brendan es el personaje principal y es quien vive la historia que nos es narrada, los otros personajes son observados y estilizados por el diseñador de personajes a través de los ojos de Brendan.

El niño y el mundo (O menino e o mondo)
Largometraje de Alê Abreu.
Brasil. 2013.

Encontramos el mismo tipo de acercamiento en El niño y el mundo, en un estilo cercano al dibujo infantil, tomando como opción gráfica las crayolas de colores para narrar una película que describe el mundo visto a través de los ojos de un niño.

El niño y el mundo (O menino e o mondo)
Largometraje de Alê Abreu.
Brasil. 2013.
Metropia
Largometraje de Tarik Saleh.
Suecia, Dinamarca, Noruega. 2009.

¿Qué es lo más lógico en Metropia sino construir los personajes a partir de fotomontajes, para una película que habla, entre otras cosas, de la vigilancia masiva? ¿qué es más adecuado que hacer los personajes como si fueran marionetas por medio de la animación por recortes, dando la impresión de ser manipulados por un titiritero?

Señor Cok (Monsieur Cok)
Cortometraje de Franck Dion.
Francia. 2009.

Un estilo cercano al anterior lo encontramos en Señor Cok, que también habla de manipulación. Aquí el personaje, gerente de una empresa de armamento, toma la forma de un obús…

Señor, Monsieur Cok
Cortometraje de Franck Dion.
Francia. 2009.
Frágil (Fragile)
Cómic de Stefano Raffaele.
Italia, Francia. 2003.

En Frágil los personajes son muertos vivientes, pero de un tipo muy diferente al de los zombies convencionales al no ser en principio ni peligrosos ni sanguinarios y al conservar sus sentimientos humanos. Los dibujos son hechos con una tinta fuerte, con formas duras, como si fueran cicatrices, pero guardando proporciones realistas y una delicadeza que permite revelar sus sentimientos más íntimos, haciendo de ellos seres muy dulces.

Al hablar de estilo gráfico, hablo por comodidad de imágenes dibujadas, pero hay igualmente una elección de estilo en las películas de imagen real, en la fotografía y en todo lo que puede ser construido para una película, los escenarios, los accesorios… Volveré a esto más adelante.

Vals con Bashir (Waltz with Bashir)
Largometraje de Ari Folman.
Israel, Francia, Alemania, USA, Finlandia, Suiza, Bélgica, Australia. 2008.

En cuanto a lo dicho anteriormente, el nivel de realismo juega un papel importante en el distanciamiento con el espectador, al igual que la abstracción. Es así que una de las enormes razones para elegir la animación en lugar de la imagen real puede ser justamente la de crear una cierta distancia y mostrar imágenes que no serían aceptadas de otra manera.

Vals con Bashir (Waltz with Bashir)
Largometraje de Ari Folman.
Israel, Francia, Alemania, USA, Finlandia, Suiza, Bélgica, Australia. 2008.

Como en Vals con Bashir, documental que Ari Folman escogió hacer en animación, lo que le sirve, entre otras cosas, para mostrar la violencia de la guerra del Líbano en 1982. Además, también lo hace para sacudirnos al final con las imágenes reales de archivo.

Nuts!
Largometraje de Penny Lane.
USA. 2016.

O como en Nuts!, otro documental en el que la animación permite hacerle creer al espectador que está viendo… una ficción. No les digo más para no dañarles la sorpresa, pero es una película y una historia maravillosa.

Horror Humanum Est
Serie web de Cédric Villain.
Francia. 2017.

Bajo el mismo principio, Horror Humanum Est, es una serie web acerca de los horrores de la humanidad, tratada con un estilo muy ingenuo, mientras que los temas son particularmente violentos: violaciones, genocidios, torturas…

Diseño

En tus manos (Entre tes mains)
Cortometraje de Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck.
Francia. 2017.

Cuando tenemos definido el estilo de manera general, podemos trabajar el diseño de los personajes como tal.
Éste es el trabajo en el que pensamos cuando hablamos de diseño de personajes, y al final, es casi que lo más fácil y lo más obvio, si hemos pensado bien en todo el resto.
Atención, ¡no estoy diciendo que el trabajo de diseño de personajes sea fácil, necesita claramente de una gran habilidad en temas de diseño y una muy amplia cultura general!
Lo que quiero decir es que todo esto se integra a una reflexión conducida por los autores que debe ser mucho más vasta.
Si esta reflexión está bien hecha, si la escritura está bien lograda, ya con eso tenemos una lista de acciones para el personaje, ya sabemos cómo reacciona ante diferentes situaciones, ya sabemos qué cosas necesita y aquello que nunca abandonará.

En tus manos (Entre tes mains)
Cortometraje de Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck.
Francia. 2017.

En fin, podemos hablar de su apariencia física, de la forma en que el tiempo ha dejado huella en su rostro, si sus arrugas muestran un personaje acostumbrado a sonreír o que está concentrado todo el tiempo, sabemos que tiene una cicatriz en su nalga y que prefiere ponerse cargaderas en vez de cinturón. Sabemos si pasa una hora arreglándose en las mañanas o tan solo 5 minutos.

El secreto del libro de Kells (The secret of Kells)
Largometraje de Tomm Moore, Nora Twomey.
Francia, Bélgica, Irlanda. 2009.

Y por supuesto sabremos cómo se para y cómo se mueve, para mostrar sus diferentes actitudes.

El diseño es a la vez transmisor del sentido y del mensaje del artista.

Todo este trabajo deriva naturalmente de la escritura del personaje, que se deriva a su vez de la historia y del mensaje que queremos transmitirle al espectador. El personaje es por lo tanto un vehículo de ese mensaje y su diseño participa en esta tarea

Necronomicon IV
Ilustración de H.R. Giger, 1976,
que inspiró el diseño de la criatura de Alien (Alien. Largometraje de Ridley Scott. Reino Unido, USA. 1979.).

En Alien (Alien. Largometraje de Ridley Scott. Reino Unido, USA. 1979.), el monstruo representa de manera general los miedos inconscientes y en particular la sexualidad, y por ende el diseño fálico de su cabeza no es nada fortuito.

El personaje puede ser invisible

En ocasiones, el diseño del personaje puede tomar caminos intrincados. En Ella (Her. Spike Jonze. USA. 2013.), el personaje femenino, una inteligencia artificial, es totalmente carente de diseño, es desencarnada. Incluso si es una inteligencia artificial, el director hubiera podido decidir darle un rostro en la pantalla, o una forma física. Encarnándola únicamente por medio de una voz, su omnipresencia toma un mayor valor y su aspecto divino es mucho más fuerte.

El personaje puede cambiar de forma
Dracula
Largometraje de Francis Ford Coppola.
USA. 1992.

Podemos ir tan lejos como queramos, hasta modificar el diseño del personaje para adaptarlo a las necesidades de la narración siguiendo diferentes momentos de la historia. Si el Dracula de Coppola puede cambiar de forma no es sólo por que es un vampiro, se trata también de una técnica narrativa. Puede hacerse hermoso para seducir a Mina o tomar el aspecto de un noble solitario y venido a menos en su gran castillo.

Dracula
Largometraje de Francis Ford Coppola.
USA. 1992.

O como en la escena mostrada acá arriba, en la que los héroes irrumpen en la habitación de la criatura (en ese momento bajo su apariencia joven y humana mientras está con Mina), pero, como recurso en el guión, los héroes no pueden atraparlo a pesar de un diálogo entre ellos. ¿Cómo justificar entonces que ellos no hagan nada, que no se acerquen al monstruo? El guión no solucionaba ese problema y fue más adelante que surgió la idea de darle un aspecto repulsivo a Dracula, lo suficiente para retener a los héroes.

El personaje dividido
El Club de la pelea (Fight Club)
Largometraje de David Fincher.
USA, Alemania. 1999.

¿Y por qué no dividir al personaje en varios, atribuyéndole a cada uno un rasgo en particular?
La complejidad del personaje queda de esta manera dividida, y cada uno de sus “avatares” se convierte en un personaje más simple. Se dice que son más “planos”, como los son en ocasiones los personajes secundarios, en oposición a los personajes “redondos”, más complejos, más humanos, con los que nos identificamos más fácilmente. Los dos –¡o más!– personajes tienen por tanto y casi siempre, una apariencia totalmente contraria, más evidente en estos ejemplos.

El cisne negro (Black Swan)
Largometraje de Darren Aronofsky.
USA. 2010.

También podemos poner en escena a dos personalidades diferentes y antagonistas de un mismo personaje, que se oponen gracias a su personificación en dos caracterizaciones distintas.
La fuerza de El cisne negro o de Mulholland Drive, al contrario de El club de la pelea por ejemplo, es que los “avatares” del personaje único del cuál trata la película, guardan un alto nivel de complejidad, generando misterio o sutileza, una delicadeza que ayuda a crear empatía con el espectador, lo que no se encuentra, a mi modo de ver, en El club de la pelea en el que los dos avatares son planos y caricaturescos.

Mulholland Drive
Largometraje de David Lynch.
USA, Francia. 2001.

Interacciones

Llegamos en este punto a un personaje del que ya hemos decidido su apariencia física, integrándolo a un estilo gráfico, a una narración y a un universo en un todo coherente al servicio de la historia y del mensaje, de las emociones, que le entregamos al espectador.

Pero regresemos a la clave de la creación del personaje, es decir a la manera como éste actúa, como va a construir e imaginar sus acciones, que son las que van a influenciar a su vez la forma en que él será representado.

Aristóteles

“La tragedia es la representación, no de los seres humanos, si no de acciones y de la vida.” (fuente: wikipedia)

Otra forma de hablar sobre las acciones del personaje es hablando más precisamente de interacciones
¿Cómo reacciona el personaje frente a la introducción de otro elemento?

Con los otros personajes

Aristóteles

“El estudio de un personaje requiere un análisis de sus relaciones con todos los otros personajes de la obra.”.(fuente: wikipedia)

Es en su relación con los otros que los personajes toman toda su dimensionalidad.
Las interacciones entre ellos pueden ser tan variadas como los tipos de personajes existentes, pasando por un conflicto abierto entre dos personajes, hasta lo completamente opuesto, la estrecha relación de una pareja…

Náufrago (Cast Away)
Largometraje de Robert Zemeckis.
USA. 2000.

A menos que sólo haya un personaje para contar la historia, lo que es bastante raro (incluso en Náufrago, Tom Hanks se fabrica un personaje, Wilson el balón), la creación de los personajes debe tener en cuenta la relación existente entre ellos.

Personajes complementarios
En tus manos (Entre tes mains)
Cortometraje de Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck.
Francia. 2017.

Aquí por ejemplo, En tus manos, un film de mis estudiantes de Supinfocom que habla de las relaciones de pareja; los personajes, parecidos entre sí, todos curvilíneos, son complementarios en su forma y color y formarán un todo una vez unidos, como si fueran dos piezas de un mismo rompecabezas. Es a partir de la introducción de un elemento externo y diferente, los cristales rojos únicamente presentes en el hombre, que la relación entre los dos se va a desestabilizar.

Personajes que se oponen
Emerge (Émerge)
Cortometraje de Benjamin Bouchard, Marine Boudry, Margot Cardinael, Zoé Caudron, Camille Gras, Lucil Lepeuple.
Francia. 2017.

O en Emerge, un film de otros estudiantes, que simboliza –entre otras cosas– la dificultad para entenderse al formar un pareja, expresado por medio de dos animales diferentes, un oso y un pez.

El caso Pixar

El caso Pixar es interesante de señalar. Muy a menudo, sus películas cuentan la evolución de un personaje principal, impulsado, extraído o sostenido por un segundo personaje importante y casi que completamente opuesto en su representación, así como por toda una manada de personajes secundarios cuyo único rol es hacer avanzar al protagonista hacia su meta.

Este antagonismo entre los dos personajes principales se encuentra de manera casi que caricatural en su apariencia física:

Up
Largometraje de Peter Docter, Bob Peterson.
USA. 2009.

En Up el personaje principal, un señor viejito, gris y cuadriculado es arrastrado a la aventura por un niño todo colorido y rechoncho.

Toy Story
Largometraje de John Lasseter.
USA. 1995.

En Toy Story, todos conocen a Woody, el muñeco de trapo súper flexible, apoyado siempre por Buzz, el muñeco de plástico súper rígido.

Wall-e
Largometraje de Andrew Stanton.
USA. 2008.

En Wall-e, el pequeño robot cuadrado, viejo, sucio, oxidado y confinado a la tierra, sale de su soledad gracias a Eve, el robot aéreo, limpio y liso.
Podríamos continuar y extender esta lista a casi todas las películas de Pixar…

The American Dream

Aprovecho aquí para decir que en las películas de Pixar encontramos una cierta sistematización, en la que generalmente se pone en valor el logro personal de un personaje que es mejor que todos los otros, bajo un propósito muy individualista, lo que resulta en una representación bastante clásica, a la estadounidense, del American Dream.

Cars
Largometraje de John Lasseter, Joe Ranfit.
USA. 2006.

Con la escenografía

Así como puede ser lógico crear los personajes de las películas como parte de un todo, también es posible olvidarse de crear los personajes en los escenarios mismos de la película, o también olvidarse concebir la relación de esos personajes con los escenarios.

La escenografía como extensión del personaje
Los demonios de Ludwig (Les Démons de Ludwig)
Cortometraje de Gabriel Jacquel.
Francia. 2012.

El decorado puede ser una extensión del personaje, como en Los demonios de Ludwig. Este corto pone en escena a Beethoven y a sus pensamientos mientras que él toca su música. Las emociones de Beethoven son personificadas por dos demonios completamente opuestos y el escenario es la proyección de este estado mental, todo en la contraposición del blanco y el negro.

Los demonios de Ludwig (Les Démons de Ludwig)
Cortometraje de Gabriel Jacquel.
Francia. 2012.

Beethoven no está dirigiendo una orquesta, si no que está parado frente a su piano, con el fin de acentuar este contraste de blanco y negro. Así, la película se desarrolla tanto en la cabeza de Beethoven como en el escenario y en el piano. Aquí todo el decorado representa al personaje.

En tus manos (Entre tes mains)
Cortometraje de Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck.
Francia. 2017.

Regreso al film de mis estudiantes, En tus manos, en el que la escenografía representa también una proyección del pensamiento del personaje, y evoluciona en conjunto con él. De nuevo, el decorado es la metáfora exacta de los pensamientos del personaje.

Alien
Largometraje de Ridley Scott.
Reino Unido, USA. 1979.

De una manera menos directa, pero casi igual de evidente, es el interior de Nostromo, la nave espacial de Alien – un oscuro laberinto gigantesco que recorre Ellen Ripley, hecho de pasillos y rincones – que puede representar una introspección de Ripley, un recorrido en el laberinto de su propio inconsciente, en el que ella enfrentará sus miedos más profundos. Es natural entonces que el Alien se camufle en el decorado, hasta mimetizarse y desaparecer sin siquiera esconderse, confundiéndose con los tubos y los mecanismos de la nave.

H.R. Giger

Hablando de Alien, en las obras de H.R. Giger, el creador del monstruo, encontramos muy seguido esta fusión del personaje y su decorado, al punto de no poder diferenciar el uno del otro.

El escenario en oposición al personaje
Wall-e
Largometraje de Andrew Stanton.
USA. 2008.

Por el contrario, el personaje puede encontrarse en total oposición al decorado, como aquí Wall-e, viejo y sucio, dentro de la moderna y limpia nave espacial de los humanos.
Sea cual sea el caso, el decorado y el personaje se construyen siempre en conjunto para que puedan corresponderse y tener coherencia con la historia a narrar.

El gabinete del Doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari)
Largometraje de Robert Wiene.
Alemania. 1920.
La escenografía en interacción con el personaje

Ambos elementos pueden incluso interactuar. En el expresionismo alemán encontramos ampliamente manifestado el uso de la escenografía para proyectar el estado mental del personaje, el ejemplo más representativo es El gabinete del Doctor Caligari.

El gabinete del Doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari)
Largometraje de Robert Wiene.
Alemania. 1920.
Nosferatu
Largometraje de F.W. Murnau.
Alemania. 1922.

Por ejemplo acá arriba, en la escenografía de Nosferatu y de El gabinete del Doctor Caligari, el personaje interactúa y se proyecta concretamente a través de la composición de la imagen o de su sombra. En estos decorados se inspira Coppola para Dracula, acá abajo, en donde la sombra cubre de forma simbólica un mapa de Londres.

Dracula
Largometraje de Francis Ford Coppola.
USA. 1992.
El cisne negro (Black Swan)
Largometraje de Darren Aronofsky.
USA. 2010.

Aquí hay otro ejemplo muy evidente en El cisne negro. El uso de un espejo permite multiplicar al personaje, mostrar sus múltiples facetas, hablar de sus diferentes personalidades.

La escenografía narra al personaje

De otra forma, la escenografía puede ser un complemento del personaje, otorgándole al espectador información valiosa sobre él. La creación del decorado es la oportunidad ideal para ubicar todas esas informaciones que hemos estado reuniendo desde el momento de la escritura. Todas esas acciones que desarrollamos, pero que no empleamos en la historia como tal, pueden servirnos para alimentar al decorado y hacer que, incluso un personaje secundario ubicado en su escenario, tenga una enorme profundidad, un universo propio, que el espectador va a lograr percibir.

La ventana indiscreta (Rear window)
Largometraje de Alfred Hitchcock.
USA. 1954.
La ventana indiscreta (Rear window)
Largometraje de Alfred Hitchcock.
USA. 1954.

Cuando Hitchcock presenta al personaje de James Stewart en La ventana indiscreta, se vale de un largo travelling sobre el decorado del apartamento del protagonista, lo que le permite al espectador saber mucho más sobre él.

Arriba: De paseo a la muerte (Miller’s Crossing). Largometraje de Joel Coen, Ethan Coen. USA. 1990.
A la izquierda: Barton Fink. Largometraje de Joel Coen, Ethan Coen. USA. 1991.
A la derecha: Sin lugar para los débiles (No Country For Old Men). Largometraje de Joel Coen, Ethan Coen. USA. 2007.

Esto es lo que hacen magistralmente los hermanos Coen: observen sus películas y verán que ellos filman casi todos sus diálogos de una forma muy particular1)Al respecto, miren el excelente capítulo de “Every Frame a Painting”. Los hermanos Coen ubican la cámara delante del interlocutor, con un gran angular que permite ver todo el decorado. El resultado es que el personaje que habla se integra completamente a su decorado mostrado de forma horizontal, lo que rebosa de detalles e informaciones sobre él, y esto acerca al espectador con el personaje.

La escenografía puede desaparecer
La supremacía Bourne (The Bourne Supremacy)
Largometraje de Paul Greengrass.
USA, Alemania. 2004.

Es todo lo contrario al método más tradicional y hollywoodense en el que la cámara se ubica detrás de los hombros del interlocutor con un teleobjetivo que desenfoca el decorado cuando se filma a quien habla y aísla al personaje. Aquí el decorado pierde por completo su importancia y su interés para que nos concentremos en el rostro del personaje.
Y por cierto, yendo al extremo, ¿por qué no simplemente… borrar el decorado para beneficio del personaje cuando deseamos aislarlo para concentrarnos en él?

Spawn
Cómic de Todd McFarlane, Jonathan David Goff, Will Carlton, Szymon Kudranski.
USA. 2012.
La casta de los Metabarones (La Caste des Méta-Barons)
Cómic de Alexandro Jodorowksy, Juan Gimenez.
Francia, Chile, Argentina. 1992.

Es un procedimiento que encontramos con frecuencia en los cómics, como aquí en Spawn en el que el personaje está lo suficientemente detallado y representa casi que un escenario él solo, o en La casta de los Metabarones en donde el detalle de los rostros y de las emociones es ya suficiente, lo que correría el riesgo de “contaminarse” con un decorado demasiado expuesto.

El niño y el mundo (O menino e o mondo)
Alê Abreu.
Brasil. 2013.

Está muy presente en el cómic, pero también lo vemos en la animación, como acá en El niño y el mundo o incluso en películas como El cisne negro.

Por lo tanto, es muy importante unificar las reflexiones al rededor del decorado y de los personajes. Los decorados permiten añadir elementos narrativos, como las contradicciones, la profundidad, el estado mental del personaje, tanto como el diseño del personaje en sí mismo, y permiten anticipar las interacciones entre los dos. Es mucho más que simplemente poner a un personaje en un escenario cualquiera.

Con el espectador

Finalmente, en todo lo que reflexionamos aquí son formas de hablarle al espectador a través de un personaje. Dicho de otra forma, la finalidad, la interacción que importa, es aquella entre él y el espectador.
No basta con saber lo que nosotros como creadores queremos incluir en el personaje y lo que esperamos de él. La verdadera dificultad está en saber lo que el espectador verá y sentirá, está en generar empatía con un espectador que no conocemos, en hacer que un perfecto desconocido se pueda identificar con el personaje que hemos creado…

The Uncanny Valley
The uncanny valley

Voy a comenzar presentando un ejemplo que habla del concepto, muy conocido actualmente, de lo que los estadounidenses llaman the uncanny valley (el valle misterioso).
Si representamos en una gráfica en el eje vertical la empatía hacia un personaje y sobre el eje horizontal su grado de realismo, vemos que la empatía aumenta con el realismo, excepto en un punto cercano al realismo, pero que no es completamente realista. En ese punto hay un espacio vacío, un valle en el que la empatía se pierde y el espectador experimenta un cierto rechazo hacia el personaje.

Estocolmo (Stockholm)
Cortometraje de Jean-Baptiste Aziere, Victor Chavanne, Thomas Némery, Morgane Perrin, Camille Roubinowitz.
Francia. 2017.
Estocolmo (Stockholm)
Cortometraje de Jean-Baptiste Aziere, Victor Chavanne, Thomas Némery, Morgane Perrin, Camille Roubinowitz.
Francia. 2017.

Lo vemos en este ejemplo, que es un film (otro) de mis estudiantes, Estocolmo. Aquí, los estudiantes decidieron crear personajes fotorealistas. Si bien el resultado funciona en imagen fija, sus movimientos y animación no alcanzan el mismo nivel de realismo, y los personajes entran en ese “uncanny valley”, provocando el rechazo de los espectadores. Y es ahí donde todo se vuelve bien interesante, ¡porque esa es la idea del film! El propósito es hacer sentir incómodo al espectador, hacerle sentir una especie de repulsión, y por lo tanto aquello que hubiera podido ser un defecto es visto aquí como un valor adicional del film.

The (true) uncanny valley
Fuente: Wikipedia

Dicho esto, a propósito de la teoría del “Uncanny Valley” de la que tanto hemos escuchamos hablar, los estudios muestran que no es tan cierto que ese efecto exista en verdad, científica y psicológicamente hablando. Esta es una curva más apropiada y más científica2)ver en Wikipedia
Pero también, y sobre todo, todo está ligado a la cultura del mismo espectador. Un joven que está acostumbrado a las imágenes digitales estará menos incómodo que nuestros abuelos…
Ese es el meollo del asunto cuando hablamos de la interacción entre el personaje y el espectador; debemos conocer la cultura del espectador, saber frente a qué va a reaccionar y cómo lo va a hacer.

Estereotipos y arquetipos

Watch me dance. Watch me Twirl.
There’s a Princess in every girl.
La Firma (The Firm)
Largometraje de Sydney Pollack.
USA. 1993.
El día de la independencia: Contraataque (Independance Day: Resurgence)
Largometraje de Roland Emmerich.
USA. 2016.

Una buena forma de lograrlo es conociendo los estereotipos – que generalmente corresponden a la cultura del espectador – tales como la princesa inocente de Disney, el hombre de negocios elegante, el científico loco, etc. Hay que jugar con ellos, y más o menos irlos rompiendo – lo que se puede convertir en un mensaje importante para el espectador (vuelvo a lo que decía acerca de Alien vs Predator y la chica negra como super heroína), para sorprenderlo. En todo caso, el estereotipo es una herramienta narrativa interesante, bajo la condición de jugar con él conscientemente, por que si no hacemos más que seguirlos gratuitamente (como en El día de la independencia3)Independance Day. Largometraje de Roland Emmerich. USA. 1996. o Avatar4)Avatar. Largometraje de James Cameron. Reino Unido, USA. 2009. por ejemplo…) los personajes serán inevitablemente aburridos, y darán la impresión de que estamos siguiendo una “receta” (y que no tenemos nada nuevo para contar). A menos que sea por supuesto para hacer uso de la ironía y del metatexto, como lo hace grandiosamente Paul Verhoeven en Starship Troopers5)Starship Troopers. Paul Verhoeven. USA. 1997..
En cuanto a la personalidad, encontramos el mismo principio con los arquetipos, de los cuales se dice que son más o menos universales para la construcción de los personajes – aunque en verdad, un arquetipo también está ligado en sí mismo a una cultura precisa.

Carl Jung
  1. El inocente
  2. El huérfano
  3. El héroe
  4. El cuidador
  5. El explorador
  6. El rebelde
  7. El amante
  8. El creador
  9. El bufón
  10. El sabio
  11. El mago
  12. El dirigente

Carl Jung6)ver Wikipedia para más detalles sobre el trabajo de Jung y los arquetipos propone doce arquetipos que permiten forjar una base para los personajes, pudiendo claramente jugar con las posibles combinaciones en diferentes grados.
Es interesante ver también cómo un arquetipo se puede asociar a otro para construir fácilmente una relación entre varios personajes. Por ejemplo, un huérfano como Wall-e con una cuidadora como Eve. O las dos facetas del cisne de El cisne negro, inocente y rebelde.
La profundida de un personaje surgirá a partir de la capacidad de añadir detalles y sutilidades al rededor de dichos arquetipos, para darle una individualidad y generar empatía, como Ripley en Alien. Mientras que, por otro lado, podemos quedarnos con algo muy simple y llano, caricatural pero universal, para provocar una reacción emocional simple, como el Alien en sí mismo, que provoca miedo y repulsión de forma universal.

Símbolos, representaciones de clase, grupos, minorías…

Ese juego con el espectador, y su cultura, permite representar más que tan solo un personaje, va más allá. Podemos también enfrentarnos a un símbolo, como por ejemplo representar el capitalismo triunfante (El gran Gatsby7)The Great Gatsby. Novela de Francis Scott Fitzgerald. USA. 1925.), el romanticismo quimérico (Don Quijote de la Mancha8)El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha. Novela de Miguel de Cervantes Saavedra. España. 1615.) o incluso el sueño americano (Rocky Balboa9)Rocky. Largometraje de John G. Avildsen. USA. 1976.).

I, Daniel Blake
Largometraje de Ken Loach.
Reino Unido, Francia, Bélgica. 2016.

De la misma manera, el personaje puede ser el representante de un grupo de personajes, de una clase social. Un ejemplo emblemático es Yo, Daniel Blake, de Ken Loach, lo más interesante es que aunque el título de la película le de importancia a un solo sujeto, el personaje es de hecho el representante de toda una clase social. Aquí, Ken Loach narra esa clase social y el protagonista no es más que el hilo conductor de esa descripción, en el extremo opuesto de la construcción individualista de las películas de Pixar, tema del que ya hablé anteriormente. En este caso el personaje representa un destino colectivo.

Construcción en abismo del personaje
¿Quién quiere ser John Malkovich? (Being John Malkovich)
Largometraje de Spike Jonze.
USA. 1999.

Para terminar, y para recordarles que todo es posible en la creación de personajes, por qué no jugar con el concepto mismo y eliminar las fronteras entre los personajes y las acciones, el actor que lo interpreta, y la vida real, como en ¿Quién quiere ser John Malkovich?, en el que el actor John Malkovich interpreta a un personaje de ficción – también un actor – llamado John Malkovich.

Distanciamiento entre el actor, la realidad, lo que interpreta el personaje, el personaje ficticio en sí mismo.

Podemos también eliminar las pistas y abordar el tema del personaje tal como está escrito, así como el distanciamiento que ha creado esa representación. El Rey León10)The Lion King. Roger Allers, Rob Minkoff. USA. 1994 no es un más que un león porque nos dijeron que era un león, pero es tan solo un dibujo. Tanto como Sigourney Weaver es Ripley porque nos dijeron que viéramos a Ellen Ripley, y no a la actriz Sigourney Weaver.

Igualmente podemos utilizar el hecho de que el espectador ya conoce al actor y juega con este mismo distanciamiento. En Nightwatch11)Night Watch. Largometraje de Timur Bekmambetov. Rusia. 2004. y Daywatch12)Day Watch. Largometraje de Timur Bekmambetov. Rusia. 2006., los guardianes de la luz y los guardianes de la sombra se enfrentan. Mientras que los guardianes de la sombra, los “buenos”, son unos perdedores representados por desconocidos, los guardianes de la luz, los “malos”, son quienes aman el dinero, la sociedad del espectáculo y el exhibicionismo, y son interpretados por cantantes y otras estrellas famosas (en Rusia), lo que sirve para lograr bien la intencionalidad de los personajes ficticios que representan.

Ülo Pikkov lo explica muy bien, y justamente elimina este distanciamiento en sus cortometrajes. Lo que vemos no es una representación, una imagen del personaje en la cual debemos creer, si no el personaje en sí mismo.

Espacio vacío (Empty Space)
Cortometraje de Ülo Pikkov.
Estonia. 2016.

Cuando Pikkov anima una muñeca, no es para hacerle creer al espectador que está viendo a una niña, si no para mostrarle la muñeca misma. Esto nos ayuda a reflexionar acerca de la creación de personajes…

Conclusión: ¡no hay reglas!

Finalmente sí, hay UNA sola regla: Todo debe ser útil para transmitir la historia y su propósito, su mensaje. nada debe ser gratuito en el personaje.

 

Para terminar, un personaje menos complejo que todo lo que yo he descrito, lo que lo hace tremendamente eficaz para la comedia.

 

¡Si tienen más ejemplos o algo para añadir, aprovechen los comentarios para que discutamos!

 

Lista de las obras

Introducción

Comparaciones

  • Largometraje: Dunkerque (Dunkirk). Christopher Nolan. Reino Unido, Holanda, Francia, USA. 2017.
    Largometraje: Saving Private Ryan. Steven Spielberg. USA. 1998.
  • Largometraje: Life. Daniel Espinosa. USA. 2017.
    Largometraje: Alien. Ridley Scott. UK, USA. 1979.

Personajes bien escritos en Scorsese et Moretti

  • Largometraje: Taxi Driver. Martin Scorsese. USA. 1976.
  • Largometraje: Raging bull. Martin Scorsese. USA. 1980.
  • Largometraje: Goodfellas. Martin Scorsese. USA. 1990.
  • Largometraje: Mia madre. Nanni Moretti. Italia, Francia, Alemania. 2015.
  • Largometraje: Habemus Papam. Nanni Moretti. Italia, Francia. 2011.

Escritura

  • Largometraje: Indiana Jones – Raiders of the Lost Ark. Steven Spielberg. USA. 1981.
  • Largometraje: Alien 3. David Fincher. USA. 1992.
  • Largometraje: Cast Away. Robert Zemeckis. USA. 2000.

Estilo

  • Largometraje: Brendan – The secret of Kells. Tomm Moore, Nora Twomey. Francia, Bélgica, Irlanda. 2009.
  • Largometraje: O menino e o mondo. Alê Abreu. Brasil. 2013.
  • Largometraje: Waltz with Bashir. Ari Folman. Israel, Francia, Alemania, USA, Finlandia, Suiza, Bélgica, Australia. 2008.
  • Largometraje: Nuts. Penny Lane. USA. 2016.
  • Cortometraje: Monsieur Cok. Franck Dion. France. 2009.
  • Cómic: Fragile. Stefano Raffaele. Italy, Francia. 2003.
  • Serie web: Horror Humanum Est. Cédric Villain. Francia. 2017.

Diseño

  • Cortometraje: Entre tes mains. Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck. Francia. 2017.

El diseño tiene un sentido

  • Largometraje: Brendan et le secret de Kells (Brendan – The secret of Kells). Tomm Moore, Nora Twomey. Francia, Bélgica, Irlanda. 2009.
  • Ilustración : Necronomicon IV. Ilustración de H.R. Giger, Suiza. 1976.
  • Largometraje: Alien. Ridley Scott. UK, USA. 1979.

El personaje puede ser invisible

  • Largometraje: Her. Spike Jonze. USA. 2013.

El personaje puede cambiar de forma

  • Largometraje: Dracula. Francis Ford Coppola. USA. 1992.

El personaje dividido

  • Largometraje: Fight Club. David Fincher. USA, Alemania. 1999.
  • Largometraje: Black Swan. Darren Aronofsky. USA. 2010.
  • Largometraje: Mulholland Drive. David Lynch. USA, Francia. 2001.

Interacciones con otros personajes

El personaje que no puede estar solo

  • Largometraje: Cast Away. Robert Zemeckis. USA. 2000.

Personajes complementarios

  • Cortometraje: Entre tes mains. Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck. Francia. 2017.

Personajes que se oponen

  • Cortometraje: Émerge. Benjamin Bouchard, Marine Boudry, Margot Cardinael, Zoé Caudron, Camille Gras, Lucil Lepeuple. Francia. 2017.

El caso Pixar

  • Largometraje: Up!. Peter Docter, Bob Peterson. USA. 2009.
  • Largometraje: Toy Story. John Lasseter. USA. 1995.
  • Largometraje: Wall-e. Andrew Stanton. USA. 2008.

The American Dream

  • Largometraje: Cars. John Lasseter, Joe Ranfit. USA. 2006.

Interacciones con la escenografía

La escenografía como extensión del personaje

  • Cortometraje: Les Démons de Ludwing. Gabriel Jacquel. Francia. 2012
  • Cortometraje: Entre tes mains. Lisa Baillon, Delphine Delannoy, Tsu-Ning Lai, Atiyyah Lallmahomed, Gwenael Renaud, Daphné Westelynck. Francia. 2017.
  • Largometraje: Alien. Ridley Scott. UK, USA. 1979.

La escenografía en oposición al personaje

  • Largometraje: Wall-e. Andrew Stanton. USA. 2008.

La escenografía en interacción con el personaje

  • Largometraje: Das Cabinet des Dr. Caligari. Robert Wiene. Alemania. 1920.
  • Largometraje: Nosferatu. F.W. Murnau. Alemania. 1922.
  • Largometraje: Black Swan. Darren Aronofsky. USA. 2010.

La escenografía narra al personaje

  • Largometraje: Rear window. Alfred Hitchcock. USA. 1954.
  • Largometraje: Miller’s Crossing, Barton Fink, No Country For Old Men. Joel Coen, Ethan Coen. USA. 1990, 1991, 2007.

La escenografía desaparece

  • Largometraje: The Bourne Supremacy. Paul Greengrass. USA, Alemania. 2004.
  • Cómic: Spawn. Todd McFarlane, Jonathan David Goff, Will Carlton, Szymon Kudranski. USA. 2012.
  • Cómic: La Caste des Méta-Barons. Alexandro Jodorowksy, Juan Gimenez. Francia, Chile, Argentina. 1992.
  • Largometraje: O menino e o mondo. Alê Abreu. Brasil. 2013.
  • Largometraje: Black Swan. Darren Aronofsky. USA. 2010.

Interacciones con el espectador

The Uncanny Valley

  • Cortometraje: Stockholm. Jean-Baptiste Aziere, Victor Chavanne, Thomas Némery, Morgane Perrin, Camille Roubinowitz. Francia. 2017.

Personajes estereotipados

  • Largometraje: The Firm. Sydney Pollack. USA. 1993.
  • Largometraje: Independence Day: Resurgence. Roland Emmerich. USA. 2016.
  • Largometraje: Avatar. James Cameron. USA. 2009.

Personajes simbólicos, y representantes de clase, grupos, minorías…

  • Largometraje: I, Daniel Blake. Ken Loach. UK, Francia, Bélgica. 2016.

Construcción en abismo del personaje

  • Largometraje: Being John Malkovich. Spike Jonze. USA. 1999.
  • Largometraje: Adaptation. Spike Jonze. USA. 2002.

Distanciamiento entre el actor, la realidad, y el personaje ficticio

  • Largometraje: Night Watch. Timur Bekmambetov. Rusia. 2004.
  • Largometraje: Day Watch. Timur Bekmambetov. Rusia. 2006.
  • Cortometraje: Empty Space. Ülo Pikkov. Estonia. 2016.

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Notes   [ + ]

1. Al respecto, miren el excelente capítulo de “Every Frame a Painting”
2. ver en Wikipedia
3. Independance Day. Largometraje de Roland Emmerich. USA. 1996.
4. Avatar. Largometraje de James Cameron. Reino Unido, USA. 2009.
5. Starship Troopers. Paul Verhoeven. USA. 1997.
6. ver Wikipedia para más detalles sobre el trabajo de Jung y los arquetipos
7. The Great Gatsby. Novela de Francis Scott Fitzgerald. USA. 1925.
8. El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha. Novela de Miguel de Cervantes Saavedra. España. 1615.
9. Rocky. Largometraje de John G. Avildsen. USA. 1976.
10. The Lion King. Roger Allers, Rob Minkoff. USA. 1994
11. Night Watch. Largometraje de Timur Bekmambetov. Rusia. 2004.
12. Day Watch. Largometraje de Timur Bekmambetov. Rusia. 2006.

One thought on “Diseño de personajes

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